Este fue el debut discográfico de esta semidesconocida banda formada en Orange County, California, en 1988 por el guitarrista Greg Bishop. Definidos en el mundillo como los 'AC/DC cristianos', lo cierto y verdad es que su similitud con los australianos es realmente notable y evidente desde el primer acorde, aunque también se puede apreciar cierto tufillo a Def Leppard o a Cinderella. Lo de cristianos supongo que vendrá a raiz de los textos, algo secundario en mi opinión. Ya a día de hoy cuentan con 8 lp's publicados, uno de ellos bajo el nombre de 'The Angry Einsteins' debido a problemas legales con su primer sello discográfico, Pakaderm, el sello de los hermanos John y Dino Elelfante, el primero de los cuales ejerce brillantemente como productor. Debido al buen recibimiento por parte de público y crítica, el álbum fue también publicado por A&M. Veteranos ya con 30 años de Hard Rock sin complejos, se han ganado ese estatus de 'banda de culto' que tanto mola, con su pequeña gran horda de leales fans no sólo en los EE.UU., sino también en la vieja Europa, donde han tocado esporádicamente . Honestos y capacitados, no aspiran a ser la banda del siglo, pero logran sin despeinarse que su música, clasicona y convencional pero efectiva, se introduzca en tu cuerpo haciéndolo sufrir bestiales sacudidas de placer, con ese elixir de la eterna juventud que es el Rock Duro de toda la vida, inasequible al desaliento e indiferente a modas y épocas, inmortal y balsámico, que marida de maravilla con unas birras espumosas y fresquitas. Sin grandes pretensiones, pero todopoderoso. Amén.
Pocas bandas en el metal contemporáneo son tan audaces y duras (dentro de su género, lógicamente) como Yob. Banda de Oregon que forma parte de aquella hornada de jóvenes que llevaron el Doom al extremo (creando eso que llaman por ahí 'Sludge' o 'Stoner'), gente como Electric Wizard, Orange Goblin, Reverend Bizarre, Sleep, High On Fire, Ogre, etc.
Lo primero que destaca es la duración de las canciones, enormes y largas, que permite apreciar la música desde varios ángulos, proporcionando al oyente una experiencia trascendente real que va más allá de algunas mezclas de notas para sentirse bien. Con un gran énfasis en el ritmo ridículamente lento pero pegadizo, con riffs de guitarra muy distorsionados, ruidosos y disonantes y bajos igualmente bañados en lodo, y con tambores simplistas pero efectivos que no se representan a sí mismos como el pináculo del tecnicismo, pero que tampoco tienen que hacerlo. La gran atmósfera que pueden crear con su simplicidad es asombrosa y eso es lo que importa.
En su segundo álbum, "Catharsis", se basan bastante en los cimientos de su primer disco, "Elaborations of Carbon", pero también hacen algunas correcciones clave. La producción es mejor y más fácil de evaluar y la composición de las canciones es mucho más centrada y directa, por lo que "Catharsis" dibuja una imagen muy clara de una banda que logra formar su propio estilo de música al tiempo que rinde un respetable homenaje a los que los influenciaron grandemente. Es una bestia compleja y fascinante que abarca desde pasajes tranquilos y pacíficos a otros salvajes y maníacos.
El álbum tiene solo tres canciones: "Aeons", "Ether" y "Catharsis". “Aeons” dura 18 minutos, “Catharsis” dura 23 minutos, por lo que “Ether” se siente como un respiro corto en comparación, con su duración de 'sólo' 7 minutos. Como se puede ver, Mike Scheidt (guitarra, voz y el que corta el bacalao) y compañía (Isamu Sato, bajo y Travis Foster, batería) se toman su tiempo para trabajar los temas, con la calma de un sádico asesino descuartizando a su víctima, sin ponerse nerviosos. Realizando una exhibición de la capacidad de la banda para llevar la densidad e intensidad de su música al límite y luego hacer una transición perfecta justo antes de que la canción se vuelva aburrida, transitando por territorios plagados de riffs infernales y brutales conformados por lentos y crujientes acordes de guitarra y solos caóticos. Con su naturaleza cruda e instintiva y su textura musical, "Catharsis" muestra a Yob como una banda con una ejecución impecable y las ideas claras. Su pasión y talento es palpable, y su ambición es grande. Puede que no entres en su música fácilmente, pero seguro que vale la pena intentarlo. https://www.yobislove.com/ https://mega.nz/#!U4QzBQBR!JjvKhDiooMeWAZ0mxKk5TnnbaWBAqH8swI-Q9Lb6BHY https://ulozto.net/!6WOq18xNzKXn/yob-catharsis-2003-rar http://filemarkets.com/fs/ccce1n2t2i2n4edla0/
El segundo y último trabajo de Carnivore, bárbaros urbanos violentos y groseros que a mediados de los años ochenta aterraron el área de Nueva York con su vestimenta al estilo Mad Max. Tras el lanzamiento de 'Carnivore' (1985), el grupo de Peter Steele tuvo que lidiar con algunas situaciones y cambios que tuvieron una influencia importante en el futuro cercano de la banda. En primer lugar, Carnivore, el álbum, no fue realmente un disco de éxito, las ventas no fueron precisamente emocionantes y la imposibilidad de hacer giras rompió las esperanzas de tocar en vivo más allá de su zona de origen. También hubo cambio de guitarrista, con Marc Piovanetti sustituyendo a Keith Alexander.
Por otro lado, Peter Steele se desilusionó, y estaba cada vez más insatisfecho con los resultados obtenidos después de currárselo tanto con dos grandes discos del Hardcore más brutal del momento, llegando a tener problemas de depresión que lo llevaron a buscar ayuda de un psicólogo (y otras cosillas). Problemas que de aquí en adelante siempre arrastrará. Esto tuvo repercusiones en la música y los textos de Retaliation, que se volvieron aún más nerviosos y polémicos, especialmente con la religión.
Perdiendo una gran parte del componente primitivo, los Carnívoros no tenían nada que hacer más que berrear su visión del mundo frente al oyente, incluyendo la crítica directa, las descripciones explícitas y el humor negro. El comienzo es genial y es uno de los muchos 'chistes' a los que Peter nos acostumbró a lo largo de su carrera: 'Jack Daniel's and Pizza' es de hecho una introducción de poco menos de un minuto que representa lo que sucede cuando exageras con los dos productos. Una intro como mínimo curiosa.
Después de esta broma, sin embargo, la cosa ya se pone seria. La gruesa vena bestial, la furia, el desgarro de estos tres energúmenos sólo se interrumpe por las breves desaceleraciones propias de la escuela sabática que aportan ligeros respiros dentro de la espiral apocalíptica de la música de Carnivore. Desaceleraciones que sólo son pausas para tomar aire para el siguiente ataque sonoro. Peter, como buen provocador, canta dramáticamente unos textos del todo polémicos, especialmente para aquellos que no van más allá del título. Pueden parecer racistas, antireligiosos o fascistas, pero al final no hay una postura, sólo una descripción amarga de la estupidez humana, cuyo resultado está allí expuesto. 'Nadie gana, todos perdemos'. Los 'problemas' de Peter vuelven a aparecer junto con la furia incondicional en 'Inner Conflict', una pieza nerviosa en la que Steele parece completamente presa de una crisis histérica: grita, tartamudea, su interpretación es delirante, revelando una profunda incomodidad del cantante hacia sí mismo, que sólo años más tarde se hará evidente incluso para aquellos que no estaban cerca de él.
'Tener miedo es odiar, es miedo. Me sacudo la cara en el espejo. Se acerca la muerte, la muerte se acerca. La expiración está creciendo. Me estoy pudriendo por dentro. Me estoy pudriendo por dentro. Estoy disgustado conmigo mismo. Estoy en el infierno. ¡Estoy en el infierno! ¡Estoy en el infierno!' .
El lado A del legendario vinilo se cierra así y casi con seguridad hay cientos de grupos que pagarían por tener un puñado de canciones como esa, pero para la apertura del lado B, Carnívore implementan lo que es la provocación definitiva de su carrera, ya que la introducción, un discurso de Hitler superpuesto a cantos gregorianos, es puro humor negro en el que los riffs 'de Black Sabbath' se alternan con arrebatos intensos, mientras se cuenta la historia de un individuo nacido de una monja violada por los nazis que podría ser tanto el Salvador como el líder del Cuarto Reich, nadie sabe qué. El solo de Piovanetti parece haber salido directamente de la guitarra de Tony Iommi. Otro deudor del guitarrista de Birmingham.
La bestialidad de Carnivore, ese thrash / hardcore / doom, parió un disco que es una verdadera patada en los dientes. La evolución natural del debut, tanto desde el punto de vista textual como musical, con un grupo más maduro en las soluciones y mejorado. Matices como la instrumental 'Five Million Dead' o la versión de Hendrix 'Manic Depression' vienen a demostrarlo.
La entrada de Piovanetti contribuyó a esta mejora. Desafortunadamente, se repitió lo que sucedió después del lanzamiento del debut, es decir, nada o casi nada, aparte de algún concierto importante en la zona de Nueva York.
El estancamiento y la indiferencia hacia los Carnívoros sólo aumentaron la frustración de Peter, que ya luchaba con sus problemas de depresión y con el final de su matrimonio; entonces el gigante de origen polaco decidió que era apropiado llevar al grupo al extremo con nuevas ideas musicales y textuales que no fueron bien recibidas por Lou Beateaux, su compañero de armas desde los tiempos de Fallout, la primera banda en la que tocaron ambos. El nuevo giro de la banda y las nuevas prioridades del baterista (trabajo y familia) condujeron a su abandono, decretando también el final del bestial power-trio. El tercer disco que Peter estaba escribiendo se convirtió en la base sobre la que se construyó 'Slow, Deep and Hard', el debut de Type O Negative y desde el cual inició una nueva historia, llegando incluso al éxito deseado. Dejando sin embargo esa insatisfacción subyacente que acompañó a Steele en su carrera. Pero esta es otra historia.
El segundo álbum de los Carnivore fue por tanto un epitafio sucio, tosco, rápido, provocativo y neurótico, lleno de pesimismo y humor negro hacia la humanidad y hoy, más de treinta años después, no se puede decir que no tenían razón, al menos en parte. Un disco de nivel absoluto con una personalidad desbordante, adecuado para los fanáticos más incondicionales del hardcore / thrash metal.
Un gigantesco dedo corazón mostrado al mundo, especialmente a aquellos que nunca han perdido la oportunidad de criticar algo superficialmente, esto es lo que es 'Retaliation'. Take It Easy.
Bursting Out, el primer lanzamiento en vivo de la banda de Blackpool, se registró cuando Jethro Tull estaba en su mejor momento, grabado durante el tramo europeo de la gira de presentación de 'Heavy Horses'. La banda tenía ya un respaldo, una trayectoria y un catálogo lo suficientemente potentes y diversos que contenía muy pocos errores reales y, en este punto,estaba compuesta enteramente por músicos de clase mundial contrastada y dirigidos, por supuesto, por el mismo Anderson, cuya capacidad de tocar la flauta y su voz estaban en su mejor momento. No hace falta decir que el rendimiento aquí es excepcional. Cada canción suena significativamente mejor que en estudio, especialmente 'Locomotive Breath' y 'Aqualung', llenos de adrenalina, cuya sección acústica y solo tienen casi el doble de longitud.
Aunque se puede caer en el error de pensar que Jethro Tull puede verse como un proyecto en solitario de Ian Anderson, con algunos artistas de acompañamiento, esto no podría estar más lejos de la verdad, como todo verdadero fan de la banda sabe. Pero con Bursting Out, es decir, en directo, es donde se aprecia más nítidamente la increíble aportación de todos y cada uno de los miembros del grupo. Cada uno de los músicos tiene la oportunidad de brillar, y vaya si lo hacen: los solos de Barre son mucho más agresivos y 'sucios', escupiendo con impaciencia ese característico saborcillo a blues cada vez que se presenta la oportunidad, y los teclados de Evan, aunque normalmente consisten en unos toques sutiles, en ocasiones muestran su virtuosismo (un buen ejemplo de esto es el solo de introducción de Locomotive Breath). John Glascock demuestra ser un muy apto y óptimo bajista. Y qué decir del grandioso Barriemore Barlow. Aunque su estilo siempre fue teatral y complejo, aquí alcanza una nueva altura: no sólo proporciona un ritmo firme, se luce constantemente, con una técnica digna de una jodida máquina y una creatividad e imaginación inusuales en este instrumento que le hacen acreedor a ser uno de los mejores percusionistas de Rock de la historia, junto al malogrado Bonham.
Lo que quizás sea incluso mejor que el rendimiento es la lista de canciones, ya que casi todos los temas esenciales de Jethro Tull están concentrados en el tiempo de ejecución de una hora y media. Todas las fases de la existencia de la banda hasta el momento están representadas por igual, ofreciéndonos esa maravillosa mezcla ecléctica de blues, folk y rock progresivo. Mezcla enriquecida con las diferentes interpretaciones rendidas, que mejoran las versiones de estudio sin duda alguna. Ninguno de los supuestos defectos que pueda tener esta pedazo de banda está presente en Bursting Out, que puedo afirmar con seguridad que es el mejor trabajo de la banda en directo hasta el día de hoy. http://jethrotull.com/bursting-out/ http://www.filefactory.com/file/1toq82ed2nez/Jethro_Tull%20-%20Bursting%20Out%20%281978%29.rar
Jethro Tull se encuentra entre las bandas más mal representadas de la historia, con el líder Ian Anderson regularmente vilipendiado y sus connotaciones de folk-rock denostadas. Sí, hicieron un par de álbumes que tal vez merecen ser calificados como mediocres. Y sí, tenían barbas y vestían como un grupo de mendigos piojosos. Y concedido, la tristeza agraria de la voz de Anderson es un poco de un gusto adquirido. Y su instrumento principal es la flauta. Pero, esto es todo lo contrario. Porque Jethro Tull produjo algunos de los álbumes más absurdamente inventivos, líricamente escabrosos y sorprendentemente rockeros de la década de 1970. Y A Passion Play bien pueden ser sus mejores 45 minutos.
No es que la banda necesariamente esté de acuerdo. Saliendo de la exitosa avenura que supuso 'Thick As A Brick' de 1972, el álbum conceptual que aún logró hacerse un hueco y triunfar, la banda acampó en el estudio Château d'Hérouville en Francia para grabar sus nuevas canciones. Sin embargo, las cosas no fueron bien debido a una combinación de problemas técnicos, intoxicación alimentaria y nostalgia, y al regresar a Inglaterra, Anderson decidió desechar lo que tenían y empezar de nuevo, escribiendo y grabando un nuevo álbum en menos de tres semanas antes de una gran gira por los Estados Unidos.
Como 'Thick As A Brick', 'A Passion Play' era otra serie continua de música, pero a diferencia de su predecesor, su porte era menos jocoso y más serio, una combinación de misticismo de fregadero y arreglo musical complejo. Anderson y cía produjeron un álbum que todavía suena alegremente desafiante incluso hoy en día.
Lanzado en 1973, es un álbum conceptual que analiza las elecciones que enfrentamos en la vida cotidiana, con grandes temas que incluyen religión y muerte. Comienza con el sonido de un latido del corazón, el pulso de Tull que gira bruscamente en una melodía de desfile a sabiendas ridícula, Anderson como el Flautista de Hamelín llevando al oyente a un lugar de incertidumbre y limbo. Y Anderson crea una anti-narrativa en expansión llena de juegos de palabras y también poesía genuina.
'A Passion Play' sigue a su protagonista recientemente fallecido en su viaje por la otra vida, incluidos los encuentros con Dios y el Diablo: es como el Infierno de Dante o el Paraíso perdido de Milton reinventado como una representación teatral presentada por el Rotary Club local, con mucho humor satírico. De hecho, hay un argumento para que el Tull de este período sea un equivalente musical de Monty Python, tonto pero listo en la misma medida, aunque con el surrealismo de Oxbridge reemplazado por una terrenalidad del extremo norte del embarcadero (la banda originalmente provenía de Blackpool).
Pero es la música la que realmente hace que A Passion Play se destaque en el paquete de programación, una irrupción enloquecedora de ritmos estridentes, densos pasajes instrumentales, danzas paganas e interludios acústicos. También hay una paleta de sonido extendida, con sintetizadores utilizados por primera vez y Anderson tocando el saxo soprano, mientras que su flauta tiene múltiples pistas con un efecto cósmico y desorientador ...
Todo lo cual puede parecer en el papel como una pieza infernalmente arquetípica de indulgencia progresiva, pero la realidad es otra cosa. La música es ciertamente compleja, pero nunca es mala o difícil por eso, y está claramente diseñada para brindar al oyente el máximo placer por su dinero: a diferencia del trasfondo psicodélico o clásico de la realeza progresiva como Yes, Genesis y ELP, Tull hunde sus raíces en el blues rock, lo que puede explicar por qué incluso en su forma más obtusa, Tull nunca suena como si estuvieran alardeando. Los temas destacados de la sección (a diferencia de la canción) incluyen el ritmo demoníaco desigual de 'Critique Oblique', la creciente tensión de 'The Foot Of Our Stairs' y el exultante lanzamiento de 'Magus Perdé'. Ah, y también está 'The Story of The Hare Who Lost His Spectacles', una fábula sin sentido entregada con un acento afrutado de Lancaster.
En su lanzamiento, A Passion Play no fue bien recibido por los críticos, pero aún así, pasó al número 1 en las listas de Estados Unidos. Eso puede parecer algo increíble en esta distancia en el tiempo, pero después de Led Zeppelin, Tull fue el mayor acto en vivo del Reino Unido en los Estados Unidos en 1973 . Presentaron un espectáculo, y como el ya mencionado Python, el público estadounidense respondió masivamente a la parodia inglesa. Y a pesar de que Anderson todavía tiene sentimientos encontrados sobre el álbum, se trata de una pieza notable de teatro musical de una época en la que las bandas no tenían miedo de poner a prueba a sus fans. Y Jethro Tull y sus fans sobrevivieron a esta prueba, y ya se sabe que lo que no te mata te hace más fuerte (y musicalmente más sabio).
Cuando Mark Zonder se mudó a Los Ángeles desde San José alrededor de 1980, ya era un consumado batería y había tocado en una banda de hard rock llamada "Russian Roulette". El guitarrista y compositor William J. Tsamis, inspirado principalmente por la escena Metal europea de la época, ya estaba creando su plan para una banda de metal. Así que eligió el nombre de Warlord para esa banda cuando se lo sugirió su amigo Alex Bargelt. A través de una chica llamada Rachel, Mark conoció a William y eventualmente lo invitó a mudarse a Los Ángeles para comenzar Warlord como entidad profesional.
Una condición para ser miembro de Warlord era que tenías que renunciar a tu verdadero nombre. Había que adoptar un seudónimo mitológico como Destroyer, Thunder Child, Damien King, etc. Había una visión completa construida dentro y alrededor de la banda, presente a través de su espíritu épico, lírico y romántico único; sin abandonar su estilo musical pesado, poderoso y estruendoso. Todo estaba pensado: el nombre de la banda, los seudónimos, el logotipo e incluso su programa en vivo cuando llegaran al escenario: todo estaba planificado al detalle.
Un día, Mark y William vieron un anuncio de un tal Brian Slagel que estaba buscando bandas de metal para grabar su álbum de compilación 'Metal Massacre' que se lanzaría en su nuevo sello independiente Metal Blade Records. Slagel escuchó la canción "Winds Of Thor". Debieron de pasar solo segundos cuando Slagel les preguntó a los dos si Warlord grabaría una canción para su álbum de compilación. Los dos aceptaron, y "Lucifer's Hammer" fue lanzado en el ahora clásico Metal Massacre II (1 de febrero de 1983). Fue Jack Rucker (Damien King I) quien estableció las pistas vocales, y Diane Kornarens (Sentinel) quien tocó los teclados, mientras que William tocó las guitarras y el bajo, y Mark atronó en la batería. Poco después, el grupo reunió unos cientos de dólares (unos 800) y procedieron a grabar su primer álbum, 'Deliver Us', que fue lanzado por Metal Blade Records el 29 de abril de 1983. Para una joven banda de metal, rodeada de una escena dominada por el thrash y el glam, el álbum fue un éxito al llegar a las estaciones de radio y obtener excelentes críticas de la muy crítica prensa musical británica. Las canciones "Winter Tears" y 'Child Of The Damned' llegaron a # 3 y # 5, respectivamente, en el área de la bahía de San Francisco. 'Child Of The Damned' también se reproducía regularmente en la radio de Los Ángeles. Era un momento en que las copias de 'Deliver Us' se apilaban en las principales tiendas de discos a 6 pies de altura. Poco después del lanzamiento del álbum, hubo otro lanzamiento de Metal Massacre que presentó otra canción de Warlord: "Mrs. Victoria", que se incluyó en la compilación de Metal Massacre III (lanzado el 20 de junio de 1983). Los correos de los fans llegaban de todas partes, Mark y William estaban en la radio haciendo entrevistas y anuncios; había gran entusiasmo y expectativas. Warlord definitivamente estaba en auge.
Los cambios de formación llegaron en breve cuando Rick Cunningham reemplazó a Jack Rucker en la voz y se agregó un bajista: Dave Watry, un estudiante del 'Bass Institute of Technology', había demostrado ser digno de tocar con Warlord; de hecho, Dave era el bajista perfecto, el perfecto "Archangel". Por lo tanto, los ensayos de Warlord fueron algo fenomenal.
Con la composición de las canciones 'Aliens' y 'Lost And Lonely Days', Warlord se vio obligado a ingresar al estudio y grabar un sencillo de 12 "(en mayo de 1984), que fue el primer resultado grabado de la nueva formación de la banda. El single logró alcanzar el # 6 en el famoso Burrn Magazine japonés. Y Warlord firmó un acuerdo con Watanabe Music of Japan (que también manejó las obras de Scorpions, Accept y Dio). Watanabe sacó la edición japonesa de 'Deliver Us' en febrero de 1984.
Fue entonces que Warlord decidió seguir adelante con la banda sonora de video titulada '... And The Cannons Of Destruction Have Begun' (lanzada en Metal Blade Records, octubre de 1984). Contrariamente a otras bandas que estaban grabando videos de canciones individuales, esperando ingresar en la MTV, Warlord estaba preparado para ofrecerles a sus fans de todo el mundo un video en vivo y una banda sonora. Era otra oportunidad de volver a grabar algunas de las canciones del EP 'Deliver Us', y fue una buena idea para los fans ver a Warlord en un contexto en vivo.Sin embargo, hubo un problema. Después de varios ensayos, se hizo evidente que Damien King II (Rick Cunningham) no era el cantante adecuado. Como la música de Warlord es tan melódica, cualquier disonancia en la voz provocaba una desconexión entre la música (que era perfecta) y la voz. Se hizo evidente que Rick tenía que irse, y la búsqueda de un nuevo cantante se convirtió en la búsqueda de lo imposible. William recuerda que Mark y él pensaron en 'Llamar a Geoff Tate, o incluso ir a casa de Ronnie James Dio para dejar un álbum, esperando contra toda esperanza que, de una vez por todas, encontrásemos al cantante adecuado. Era la pieza que faltaba en el rompecabezas.'
Después de numerosas y numerosas audiciones, la banda se conformó con un excelente cantante de estudio llamado Rick Anderson (que sería Damien King III). Sin embargo, esta nueva formación no duraría mucho tiempo. La búsqueda del cantante adecuado mantuvo a la banda fuera de los escenarios, sin posibilidades de tocar en vivo. Intentaron firmar un gran contrato discográfico al grabar una nueva demo que incluyó las canciones "Father" y "Thy Kingdom Come" (1985) y trataron de llegar a las compañías discográficas de todas las maneras posibles. William y Mark se patearon el pavimento de Los Angeles personalmente acudiendo a todas las principales compañías discográficas. Sin embargo, ninguna daba respuesta o comentarios, por lo que pareció que todo el esfuerzo fue un fracaso.
Por lo tanto, los miembros de la banda decidieron separarse pronto, poco después de la entrada de Anderson. Mark Zonder se unió a Fates Warning primero como técnico de batería y luego como baterista oficial de la banda cuando Steve Zimmerman se fue. Diane Kornarens se unió a la banda Sahara y William J Tsamis se centró en una carrera académica en filosofía y teología, llegando a ser profesor universitario en estas materias. Se había mudado a Florida y simplemente estaba creando música para su propia satisfacción.
Mientras tanto, Metal Blade Records lanzó dos álbumes recopilatorios con canciones seleccionadas de Warlord: 'Thy Kingdom Come' y este 'Best Of Warlord'. Pero en el año 2001, sucedió lo inesperado cuando Warlord volvió a reunirse para grabar un nuevo álbum. William J Tsamis en guitarras y bajo, Mark Zonder en la batería estaban allí para ofrecer algo de música nueva. El puesto de vocalista, que siempre fue el gran obstáculo para la banda, fue ocupado por el talentoso sueco Joacim Cans de Goteborg (el cantante de la banda HammerFall y gran seguidor de Warlord). Los tres comenzaron a ensayar para una demo (finales de 2001) que contendría las canciones originales de Warlord, "War In Heaven", "Winds Of Thor" y "Sons Of A Dream". La magia estaba allí. El álbum 'Rising Out Of The Ashes' fue el resultado de esta reunión y fue lanzado el 22 de julio de 2002 por Atrheia Records / Drakkar Records. El lanzamiento del álbum fue seguido por el primer show oficial en vivo de la banda en Wacken Open Air Festival (Alemania - 3/8/2002). Los años siguientes descubrieron que William J Tsamis se centró en la carrera académica universitaria junto con las prioridades familiares.
Sin embargo, en agosto-septiembre de 2011, William J. Tsamis comenzó a pensar en reincorporarse a la escena musical. Mark Zonder estaba entusiasmado por unirse a él y, se decidió que un nuevo proyecto Warlord y un nuevo álbum estarían en proceso. Un directo grabado en Atenas (2013) y un nuevo álbum, irónicamente titulado 'The Hunt For Damien' (2015) son sus últimas entregas. Es el fuego que aún arde y el apoyo incontenible de los fans durante treinta años lo que ayudó a reunir a Warlord, además del simple disfrute de que William y Mark tocaran juntos como lo hicieron al principio. Warlord, paradigma de la auténtica banda de culto, de legado precioso e inmortal, épicos y legendarios.
Era 1984, el año en que AC / DC encabezaron el Monsters Of Rock, se formaron Celtic Frost y Sepultura, y Anthrax comenzó su ascenso al estado legendario con el álbum debut Fistful Of Metal. Para el momento en que este primer disco de los neoyorquinos fue grabado, el movimiento Thrash ya comenzaba a tomar un impulso irresistible. Anthrax comenzó en 1981, formado por los amigos de la escuela Scott Ian y Dan Lilker, ambos tocando la guitarra en los primeros días. Este último finalmente cambió al bajo cuando no pudieron encontrar a nadie adecuado para el papel. Después de los problemas habituales de conseguir una alineación establecida, la banda finalmente encontró cierta estabilidad en 1983, con Ian y Lilker acompañados por el guitarrista Dan Spitz, el vocalista Neil Turbin y el baterista Charlie Benante. Esta formación grabó una demo de cinco pistas a principios de 1983, producida por el guitarrista de Manowar, Ross The Boss. Johnny Z, que dirigía el recién formado sello Megaforce (estaban a punto de lanzar el debut de Metallica Kill 'Em All), lo escuchó y se materializó el contrato. La demo en cuestión vendió más de 3.000 copias en sólo dos semanas, convenciendo a todos de que Anthrax estaba en marcha. Siguiente parada: el álbum debut. Y el primer problema de la banda fue encontrar a un productor. Ross The Boss tenía demasiados compromisos con Manowar para ser considerado. Durante un tiempo, Paul Curcio, que había hecho Kill 'Em All, estaba en el foco. Pero tuvo que rechazar el proyecto debido a la falta de tiempo. Entonces apareció Carl Canedy ... er, ¿quién?
Scott Ian recuerda: "Carl era el baterista con una gran banda de metal de Nueva York en ese momento llamada The Rods", explica el guitarrista. "Pero sinceramente, realmente no recuerdo por qué nos produjo. Sin embargo, sé que no fue nuestra elección. Me encantaban The Rods, sin embargo, nunca pensé en Carl como productor. Todo lo que puedo pensar es que él había hablado con Johnny Z en algún momento, y sugirió que le gustaría producir algunas bandas ". La banda, Canedy y el ingeniero Chris Bubacz (que había trabajado en Kill 'Em All también) pasaron tres semanas a fines de 1983 en Pyramid grabando y mezclando el álbum. La banda pudo trabajar rápidamente porque conocían las canciones muy bien. El sueño de Anthrax era hacer un disco que combinara Iron Maiden y Motörhead, sus dos influencias principales en ese momento.
Scott: "Todos éramos 'Maidenheads' en ese entonces; incluso tuvimos el álbum Piece of Mind en el estudio. Y no creo que haya una foto mía de esa época en la que no llevara una camiseta de Motörhead. Si escuchas el álbum, puedes escuchar esas influencias; pasan por muchas cosas ". Sin embargo, hubo una canción en el disco que todavía causa estremecimiento a Ian hasta el día de hoy: una versión de 'I'm Eighteen' de Alice Cooper. Existe el mito de que fue el guitarrista quien eligió esta canción para la banda. No es así, insiste. "Me encanta Alice Cooper, y esa es una canción clásica, obviamente. Pero para Anthrax hacerlo ... bueno, era cojo, cursi y gay en lo que a nosotros respecta. No deberíamos haberla hecho. No recuerdo a quién realmente se le ocurrió la idea. Supongo que fue Johnny o Carl. Quiet Riot acababa de tener un gran éxito con 'Cum On Feel The Noize' de Slade, por lo que todos parecían estar haciendo algo similar ". Ian sintió que, si la banda iba a hacer una versión, entonces debería estar más en consonancia con su música y actitud.
"Tuvimos algunas alternativas presentadas, ninguna de las cuales ahora puedo recordar, pero al final ganó ésta. Supongo que podríamos haber pensado en hacer una canción de Motörhead o Maiden, pero en realidad todavía estaban demasiado frescas en la mente. "Sorprendentemente, Ian organizó su propia protesta sobre la inclusión de la canción al negarse a tocar en la canción. "Las partes de la guitarra rítmica en esas pistas están tocadas por Dan Spitz. No estoy en absoluto. Fue mi forma de decir que no deberíamos estar haciendo una canción así ". Si bien el proceso de grabación fluyó sin problemas, aparte de las objeciones de Ian a la melodía de Cooper, la etapa de mezcla iba a ser un problema, aunque en ese momento nadie se dio cuenta de lo que estaba sucediendo."Ninguno de la banda tenía idea sobre estudios, así que le dejamos todo a Carl. Éramos niños, ¿qué sabíamos?. Cuando escuchamos las mezclas en el estudio, sonaron bien. Todo fue muy emocionante. Luego, el álbum fue enviado para masterización, regresó y escuché el disco por primera vez fuera del estudio, y me sorprendió. Recuerdo que le dije a Johnny: "¿Dónde están las guitarras? ¿Qué pasó con ellas? '. Carl había hecho el tipo de mezcla que uno esperaría de un baterista. Las percusiones estaban muy altas y las guitarras habían sido enterradas. Estaba realmente descontento y pedí que se nos permitiera volver a mezclarlo. Pero no había presupuesto para eso."He dicho durante años que algún día voy a volver a mezclar el disco y hacerlo bien. Eso no ha sucedido todavía, pero lo haré ". Fistful Of Metal fue lanzado en enero de 1984, y salió en el sello Music For Nations en el Reino Unido. Y, para sorpresa de todos, se vendió muy rápido."Me sorprendió que alguien haya oído hablar de nosotros", se ríe Ian. "Lo que no había tenido en cuenta era el comercio clandestino de cintas. Había mucha gente consciente de Anthrax que había estado esperando que saliera el debut ". El álbum también llamó la atención gracias a su cubierta más bien violenta, que representa a un hombre que se mantiene presionado con un puño en la boca. Gore, horrible ... y muy de acuerdo con la filosofía del metal. Mientras que Metallica nunca tuvo la oportunidad de hacer la portada que querían para Kill 'Em All, un machete que llegaba a través de una taza del inodoro, Anthrax fue un paso más allá. Pero Ian está lejos de ser un fan de esa obra de arte. "Es horrible, en realidad. Fue idea de Neil Turbin de principio a fin, y fue hecha por un tipo llamado Kent Joshpe. Pero también es extraño, porque si miras las dos manos en la portada, ¡ambas son izquierdas! La mano que sostiene la cabeza del tipo, y la otra que viene por la boca, tampoco es una mano derecha. "Lo único bueno fue que obtuvimos un logotipo genial. A Kent se le ocurrieron varias sugerencias, y la que destacó es lo que ha sido nuestro logotipo desde entonces ". Desde una distancia de unos 25 años, ¿qué dice Ian de Fistful Of Metal? Parece que todavía tiene dudas sobre la calidad de la mezcla."Realmente no puedo escucharlo, debido a la forma en que Carl terminó mezclándolo. Tengo que decir que ha sido arruinado para mí, debido a la forma en que suena. Sabía que Carl estaba usando algunos efectos bastante extraños en el estudio, pero al no tener ninguna experiencia, no estaba en posición de discutir con él. Amo las canciones en el disco. Deathrider, Metal Thrashing Mad, Panic ... todavía son excelentes. Es sólo la forma en que están retratadas en el álbum lo que es un problema para mí ". Sin embargo, para muchos Fistful Of Metal conserva cierto prestigio, siendo lanzado justo cuando el thrash estaba comenzando a reunir su formidable impulso. Inmediatamente creó a Anthrax como el maestro de la escena thrash de la costa este, y cuando escuchas lo que se hizo, es crudo, apasionado, incluso salvaje en algunos momentos. Hay pocas dudas de que ha resistido la prueba del tiempo. En muchos sentidos, lo que escuchas es el sonido de una banda que nunca tuvo la oportunidad de desarrollar su potencial. Lilker y Turbin desaparecieron poco después de que se liberara Fistful Of Metal. Sin embargo, sus contribuciones son invaluables y siguen siendo una parte crucial de la historia de Anthrax. El propio Scott Ian es el primero en reconocer lo que hizo el disco por el estado de la banda. "Afrontémoslo, Fistful Of Metal nos dio nuestra carrera. Le dio un poco de atención a la banda, hizo que la gente de todo el mundo supiera lo que podíamos hacer, y solo por esa razón debo estar agradecido con todos los involucrados. El disco fue vital para lanzarnos, y todo lo que hemos hecho y en lo que nos hemos convertido, proviene de ese disco debut. De alguna manera puedo criticarlo, pero nunca podría hacer otra cosa que admitir que le debemos todo a Fistful Of Metal". Si eso nunca hubiera sucedido ... bueno, tal vez nunca hubieras oído hablar de Anthrax ".*
*Editado de https://www.loudersound.com/features/the-story-behind-anthraxs-fistful-of-metal
A finales de los ochenta, principios de los 90, creo que no exagero si afirmo que el trono del Rock nacional lo ocupaban Los Suaves. Sus tres primeros discos les proporcionaron reconocimiento masivo, pero sobre todo sus inolvidables conciertos les otorgaron el estatus de banda grande. Aprovechando su gran momento, en 1989 plasman toda esa energía que despliegan en directo en 'Suave es la noche', donde los orensanos hacen un breve inventario de su carrera hasta ese momento, y que sirve como despedida del entrañable Hermes y como cierre de esa primera etapa. Y llega la pregunta inevitable: ¿y ahora qué?. Pues a comenzar una nueva. Porque, como es unanimemente aceptado, la entrada del viejo amigo de la banda Alberto Cereijo sustituyendo al mencionado Hermes, marca un punto de inflexión en el camino de Los Suaves. Asentada ya la base y bien hundidas ya sus raíces en la faceta más dura del Rock, la aportación de Cereijo es ese punto de sal de un exquisito plato, esa especia que le da el punto sublime. Los temas se alargan, mejoran, maduran, los solos de Cereijo son espectaculares, las letras de Yosi, como siempre, excelsas... el gato sigue errando sin más Dios ni Amo que el Rock And Roll infinitamente honesto y apasionado de Los Suaves. 'Maldita Sea Mi Suerte' fue publicado en formato doble, debido a que para terminar su contrato con la discográfica Edigal faltaban dos discos. Para ello, repiten dos de los temas, grabándolos en versión eléctrica y acústica, y además se marcan el tema 'La noche se muere', de casi veinte minutos de duración (una cara entera del 2º vinilo) que es básicamente un tema convencional, normal, en el que se intercala un solo de unos 15 minutos grabado por un elenco de varios guitarristas invitados, entre ellos Alvin Lee, Paco Ventura, Carlos raya, Jero Ramiro, etc, etc... Una vez más, Los Suaves nos tocaban la fibra.
Estamos ante la consagración definitiva de un fenómeno que traspasó las fronteras de lo meramente musical, de toda una leyenda dentro y fuera de los escenarios como fueron Los Suaves. Tras cuatro años de silencio discográfico, debido a diferentes peripecias, los gallegos regresan y, esta vez sí, para quedarse para siempre en nuestros corazones (de Rock 'n' Roll).
Con la entrada del guineano Hermes Alogo (R.I.P.) a la guitarra solista, y el asentamiento definitivo de Montxo Costoya a la rítmica, la banda por fin empieza a dar solidez y empaque a su sonido.
Sus conciertos comienzan a ser auténticos rituales en los que la simbiosis entre banda y público es única en el mundo, repito: única en el mundo. Las grandes bandas que todos sabemos pueden tocar en inmensos estadios repletos de miles y miles de personas, pueden llevar el escenario, sonido, pirotecnia y demás parafernalia más espectaculares del planeta, pero nada iguala a un sencillo y humilde concierto de Los Suaves en cualquier sala de cualquier pueblo.
Y el que haya asistido a uno de ellos lo sabe. Se llama Magia. La Magia que se manifestaba en cada acorde, cada frase, cada punteo, en cada silencio. Aunque por esta época los conciertos empezaron a ser cada vez menos humildes y las salas más grandes. No eran originales, no eran virtuosos maestros instrumentistas, no eran extraordinarios músicos ni intérpretes, ni siquiera eran guapos, pero eran Los Suaves. Y en este álbum, por fin, aflora todo. La lírica de Yosi es impresionante, emocionante, empática, dejando traslucir una nostalgia, melancolía y tristeza en casi todos los temas que paradójicamente son un bálsamo para el alma. Y sí, sin duda llegará ese dia, en el que guardaremos recuerdos en el fondo del arcón, junto a la suerte negra; conoceremos a Dolores, que se llamaba Lola; atraparemos el viento, llevaremos a casa el mar, nos preguntaremos qué haremos con las guitarras si matan al Rock And Roll, quizás mientras escuchamos algo de Thin Lizzy, y a pesar de todo, reiremos sin saber por qué, y cuando sólo pensemos en dormir, tomaremos un camino de una dirección. Alguien habrá que piense en nosotros...
El segundo trabajo de los dioses gallegos del Rock es para muchos su peor intento, un paso atrás. Seguro que no es el mejor, eso sí, pero hay que decir que Los Suaves nunca han hecho nada 'peor', y no han retrocedido ni para coger carrerilla. Si 'Esta Vida...' les sirvió para entrar en el mercado discográfico, 'Frankenstein' les sirvió para seguir golpeando antes de que el hierro se enfriase demasiado, pues la fragua estaba aún tibia. A mí al menos me da la impresión de que fue publicado con cierta prisa por ese motivo. Tal vez musicalmente haya un par de temas mas flojillos, como 'No llores más por mí' o 'Sospecho', pero también hay obras magistrales como 'Una ciudad llamada perdición', 'Cuando la música termina', 'Tocando Fondo' o 'Por las noches'. El equipo de producción y los estudios de grabación fueron los mismos que los de su debut, así que los cambios son mínimos, salvo la entrada de los guitarristas Pepe Losada y el entrañable Hermes Alogo, para acompañar a uno de los mejores guitarras rítmicas de esta país, Montxo Costoya (sí, durante un breve tiempo tocaron con tres guitarras, cuatro si contamos a Yosi, que ocasionalmente también la tocaba), en sustitución de Angel Ruiz, y del batería Tito 'Canolas' por el 'tercer hermano' Javier Domínguez y 'el otro Costoya', Carlos, que se habían repartido las labores percusivas en el anterior L.P. El hierro se iba forjando poco a poco. Lo dicho, un par de temas por debajo de la media, algo corto de duración (33 minutillos), pero el resto, soberbio. Como siempre. Este disco no tiene ese estatus de clásico que tienen 'Esta vida...' ni el siguiente 'Ese día piensa en mí', pero sí posee algo imprescindible: el alma y la esencia única y seductora de Los Suaves, que sabían transmitir como nadie. Y además, afirmó a Los Suaves como banda que iba en serio, nos confirmó que Yosi es un gran letrista y nos permitió seguir disfrutando de su fenomenal música. A lo mejor en el título está la clave para comprender este trabajo: Un descomunal monstruo que genera una sutil y extraña atracción, incomprendido, imperfecto, sobrecogedor, pero sobre todo con buen corazón y buenas intenciones... Sólo hay que darle otra oportunidad, con calma, sin prejuicios, y verás como descubres su belleza oculta.
'...las olas se lo llevaron enseguida y se perdió, a lo lejos, en la oscuridad de la noche...'
Los Suaves... qué decir a estas alturas de la mítica banda ourensana... Más que una banda, toda una institución, un trozo de historia del Rock Duro nacional sin el cual ésta estaría incompleta. Ningún grupo ha conseguido lo que han conseguido ellos, y no me refiero a ventas (que también), sino a ese cariño y admiración, incluso adoración, que transciende el aspecto puramente musical. La sencillez, la cercanía con los fans, la honradez, la honestidad, la familiaridad. Letras sobre la vida real, cotidiana, la tuya y la mía ('Siempre Igual', 'Sin Empleo', Mártires del Rock And Roll')... todo en ellos ejercía una atracción irresistible para esos chavales de barrio que en los años 80 comenzaban a intercambiar los primeros golpes con la vida. Eran el espejo en que mirarse. La banda sonora de esas noches inolvidables con los colegas, de los momentos felices y de los tristes. Principalmente gracias al carisma de Yosi Domínguez, cantante, guitarra, compositor y alma del grupo, que junto a su hermano Charly, el bajista, fundaron Los Suaves en 1979, fueron sorteando las inevitables y múltiples dificultades en el camino de cualquier grupo de Rock en este país con una ilusión y una energía imparables, hasta convertirse en leyenda tras alcanzar las puertas del éxito al telonear a los Ramones en A Coruña. Puertas que traspasarían para no volver atrás. Respecto a la música, este debut contiene himnos clásicos inmortales patrimonio de la humanidad como el tema que abre el disco, 'Peligrosa Maria'; la ya mencionada 'Siempre Igual' o el tema-título, con el resto de temas siguiendo una línea de Rock Duro simple, primitivo, pseudo-punk incluso a ratos, pero electrizante y cargado de energía y vigor. Lógicamente, lo mejor estaba aún por venir, sobre todo a raíz de la entrada del guitarrista Alberto Cereijo en 1989. Pero en esta época la formación, aparte de los mencionados hermanos Domínguez, la completaban Moncho Costoya a la guitarra rítmica, Angel Ruiz guitarra solista y Carlos Costoya y Javier Domínguez (también hermano de Yosi y Charly), baterías. Esta fue la primera piedra de una obra colosal e insustituible de la que nadie, absolutamente nadie, puede renegar. El comienzo de algo grandioso. http://lafonoteca.net/grupos/los-suaves https://ufile.io/y3vq6
Lo de cristianos supongo que vendrá a raiz de los textos, algo secundario en mi opinión. Ya a día de hoy cuentan con 8 lp's publicados, uno de ellos bajo el nombre de 'The Angry Einsteins' debido a problemas legales con su primer sello discográfico, Pakaderm, el sello de los hermanos John y Dino Elelfante, el primero de los cuales ejerce brillantemente como productor. Debido al buen recibimiento por parte de público y crítica, el álbum fue también publicado por A&M. Veteranos ya con 30 años de Hard Rock sin complejos, se han ganado ese estatus de 'banda de culto' que tanto mola, con su pequeña gran horda de leales fans no sólo en los EE.UU., sino también en la vieja Europa, donde han tocado esporádicamente . Honestos y capacitados, no aspiran a ser la banda del siglo, pero logran sin despeinarse que su música, clasicona y convencional pero efectiva, se introduzca en tu cuerpo haciéndolo sufrir bestiales sacudidas de placer, con ese elixir de la eterna juventud que es el Rock Duro de toda la vida, inasequible al desaliento e indiferente a modas y épocas, inmortal y balsámico, que marida de maravilla con unas birras espumosas y fresquitas. Sin grandes pretensiones, pero todopoderoso. Amén.
Lo de cristianos supongo que vendrá a raiz de los textos, algo secundario en mi opinión. Ya a día de hoy cuentan con 8 lp's publicados, uno de ellos bajo el nombre de 'The Angry Einsteins' debido a problemas legales con su primer sello discográfico, Pakaderm, el sello de los hermanos John y Dino Elelfante, el primero de los cuales ejerce brillantemente como productor. Debido al buen recibimiento por parte de público y crítica, el álbum fue también publicado por A&M. Veteranos ya con 30 años de Hard Rock sin complejos, se han ganado ese estatus de 'banda de culto' que tanto mola, con su pequeña gran horda de leales fans no sólo en los EE.UU., sino también en la vieja Europa, donde han tocado esporádicamente . Honestos y capacitados, no aspiran a ser la banda del siglo, pero logran sin despeinarse que su música, clasicona y convencional pero efectiva, se introduzca en tu cuerpo haciéndolo sufrir bestiales sacudidas de placer, con ese elixir de la eterna juventud que es el Rock Duro de toda la vida, inasequible al desaliento e indiferente a modas y épocas, inmortal y balsámico, que marida de maravilla con unas birras espumosas y fresquitas. Sin grandes pretensiones, pero todopoderoso. Amén.
